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Críticas

Crítica | Pokémon: Detetive Pikachu

A aventura do Pikachu falante é objetiva e bastante divertida.

Nada melhor para o brasileiro que viveu a infância entre o fim dos anos 1990 e início dos anos 2000 poder celebrar parte dessa etapa da vida revivendo experiências.

Em 10 de abril de 1999 estreava no Brasil a primeira temporada do fenômeno mundial Pokémon. Agora, 20 anos depois, somos presenteados com o primeiro filme em live-action desta franquia de uma forma que reúne nostalgia e criatividade num roteiro prático e bem resolvido.

Essas são as primeiras palavras que reservo a Pokémon: Detetive Pikachu, que adapta partes das narrativas do jogo título lançado para Nintendo 3DS com sua shorter version chamada Great Detective Pikachu: Birth of the New Duo.

Objetivo, o filme reúne os principais nuances não só do jogo título como da franquia inteira em pouco mais de 104 min. Mesclando elementos nostálgicos diluídos em diálogos e elementos de cena, o longa-metragem é praticamente uma fábrica de easter-eggs. Necessário dizer, entretanto, como isso é bom e ao mesmo tempo prejudicial.

Bom porque da primeira cena até a última o pokemaníaco sente-se completamente imergido em Ryme City, o palco da trama, que de imediato passa a ideia de uma cidade cosmopolita no meio do Mundo Pokémon onde todos – humanos e pokémon – convivem em relativa harmonia indo até além do que acontece em outras regiões como Sinnoh e Kanto (ambas citadas no filme).

Essa imersão, nos elementos visuais como nas fachadas dos prédios, posteres e estatuetas, permite ao fã da franquia sentir o filme sem precisar que este perca tempo respondendo sobre temas que ao conhecedor de Pokémon parece ter quase obrigação saber.

Contudo, para o não-pokemaníaco – aquela pessoa que no passado assistiu alguma coisa de Pokémon, mas não se tornou fã implacável – é possível perder rapidamente o foco durante as reações das personagens em diálogos, atos e contextos de cena. Eis aqui o fator prejudicial. Sem as referências muita coisa em cena se torna mera poluição, informação acumulada. E aí o que salva o expectador são os alívios cômicos estrelados por celebres personagens como o próprio personagem-título, além de Snubbull, Mr. Mime e o incrível Psyduck (muitos méritos a ele pessoal!)

Outro ponto importante a se observar é que nesse universo cosmopolita de Ryme City a escolha de Justice Smith para o papel principal sempre me pareceu uma boa. Isso porque se é para ser cosmopolita tem que ser em tudo: raça, credos e sexualidade. Um ator caucasiano, assim como no vídeogame, não contribuiria para a verossimilhança com o mundo real. Entretanto, esse mesmo Justice Smith não convence no papel de Tim Goodman e seu personagem possui uma psicologia rasa demais mesmo para os padrões da franquia japonesa.

Outro personagem-chave a ser comentado é MewTwo. O pokémon ganha poderes impressionantes e levanta uma questão amada por muitos fãs mais polêmicos sobre sua real força. O filme chega a ser bem específico ao dizer que Mewtwo é o pokémon mais poderoso a existir ao mesmo tempo que apresenta o lendário Arceus como uma divindade. “Santo Arceus!” te lembra alguma coisa?

Considerações à parte, o filme convence quem se dedica a vê-lo. É fluído, divertido e coeso. Talvez por isso dizer que ele quebrou a maldição das adaptações de games não é uma mera bravata.

Antes faço um adendo, Warcraft (2016), Assassin’s Creed (2017) e Tomb Raider (2018) contribuíram bastante para o fim dessa “maldição”, mas é real podermos afirmar que Pokémon: Detetive Pikachu supera o dilema existente entre os críticos. O jogo está lá, os pokémon estão lá e ainda assim é um filme de cinema sem tirar nem por.

Não há motivos para alguém dizer “Ah, mas no jogo é totalmente diferente!”, pois mesmo remodelando alguns elementos da trama original o filme cumpre seu papel na linguagem em que está apresentado e convida quem nunca jogou Detetive Pikachu a correr de imediato ao Nintendo 3DS para ampliar essa experiência.

E se o papo é sobre ampliar experiência, Pokémon: Detetive Pikachu deixa bem construído a ideia de mundo expandido e abre o leque para todo um universo cinematográfico a ser explorado. Não que isso não já esteja sendo pensado.

Os fãs de games que também são fãs de cinema agora tem um filme para chamar de exemplo perfeito de adaptação. A emoção é tão grande que me sinto no direito de dizer que Warner Bros., Legendary e Toho já podem se reunir à Big N e sondar as possibilidades de Link, Zelda e Cia. também ganharem um live-action no futuro.

Por enquanto, sobre a próxima adaptação de game que virá (da empresa rival à Nintendo) os trailers nos mostram apenas cenas de decepção.

Que Arceus nos acuda!

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Críticas

Crítica | O Rei Leão

Versão 2.0 propõe uma nova experiência sobre a obra original

A gente sabe: a animação se escora na realidade apenas pra retirar dali a base para a criatividade e imaginação. É o que faz o clássico O Rei Leão (1994) que foi buscar nas savanas monocromáticas uma explosão multicolorida cheia de música e emoção. A nova versão, por mergulhar fundo demais no fotorrealismo, perde a força do lúdico e soa como se o original tivesse sofrido uma lavagem que eliminou dele seus atributos mais valiosos: sentimento e cor; ou em linhas gerais: a capacidade de cativar. Mas calma. Vai vendo.

Nesse sentido, O Rei Leão (The Lion King, 2019) de John Favraeu é um forte representante da fragilidade nessa leva de remakes da Disney. Não é como se o estúdio de Mickey Mouse precisasse viver das glórias do passado – a Disney é hoje o que nem o próprio Walt imaginou que pudesse ser. Mas a equação proposta em O Rei Leão é das mais difíceis: como lidar com uma obra dessa envergadura? Como encontrar a afinação entre reapresentar um clássico sem alterar sua estrutura e essência? A resposta mais prática é: deixe quieto. Não deixaram.

Mas dá pra entender as decisões tomadas aqui: oferecer uma experiência nova sobre a obra original, não superá-la ou competir com ela. Em vez disso, propor outra maneira de acompanhar a jornada do rei Simba. No entanto, sem o recurso do antropomorfismo, cabe ao espectador versado na história preencher as lacunas emocionais com a memória afetiva do filme de 1994. Um efeito de mescla automática que reproduz nas novas cenas o sentimento criado por mérito do original. Mas e o espectador novato que vê tudo pela primeira vez?

Sem a carga da comparação, o espectador desavisado certamente vai encontrar um bom filme com belas músicas e boas piadas… Mas sem muito apelo emocional. A culpa é mesmo da decisão de colocar em escanteio qualquer traço cartunesco e… imagina que difícil atribuir personalidade a um pássaro ou javali do Discovery Channel.

Seja como for, o que sobra não dá pra ignorar. É 1) o banquete visual, mais atrativo pelo impressionante feito tecnológico que pelo fascínio estético. 2) a repaginada nas músicas originais, mais pelas vozes famosas e pelos arranjos que pela coreografia que aqui quase inexiste 3) as vozes originais que contrabalanceiam a inexpressividade dos bichos hiper-realistas. Isso faz o projeto valer a pena? Sim, faz.

Com destaque pra pequenas intervenções como a música original “Spirit” que surge no rompante de retomada do Simba, um dos momentos mais poderosos do filme. Timão e Pumba sempre maravilhosos. Scar menos sarcástico, mas tão ameaçador quanto. Zazu com falas inspiradíssimas. E por aí vai.

No fim das contas, a versão 2.0 de O Rei Leão é bem uma obra de reverência ao filme original, um novo jeito de viver aquela história que amamos tanto, de cantar Hakuna Matata e rir na cara do perigo… mas que justamente por ser autorreferente, não deixa esquecer o mantra do rei Mufasa “Lembre-se de quem você é”. A gente lembra.

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Críticas

Crítica | Homem-Aranha: Longe de Casa

Leveza depois da tempestade: as férias do Aranha têm gostinho de sessão da tarde com alto orçamento

Depois de cinco filmes com Tom Holland encarnando essa versão millennial de Peter Parker, já dá pra dizer com certa tranquilidade: 1) Holland nasceu pra esse personagem 2) o legado de Tobey Maguire está sendo honrado 3) os novos filmes do Homem-Aranha fazem jus, para a plateia de 2019, ao que a trilogia de Sam Raimi representou pra aquele público lá em 2002. O leitor menos paciente deve estar se perguntando: ainda há motivos para comparação? Vai vendo.

Em Homem-Aranha: Longe de Casa (Spider-man: Far From Home, 2019), o amigão da vizinhança ainda está se recuperando do vendaval ocorrido nos últimos capítulos do MCU. E aí vamos direto ao ponto: o roteiro de Erik Sommers ressignifica a proposta do vilão Mysterio (Jake Gyllenhaal) para os tempos modernos, substituindo a trucagem analógica dos quadrinhos para um universo de drones e projeções ultra-tecnológicas. Traduzindo: groselha pura.

É muito, muito difícil comprar a abobrinha pirotécnica que faz funcionar os planos do Mysterio. Mas isso faz pouquíssima diferença por conta de um detalhe crucial: o filme faz questão de manter uma atmosfera caricata onde o humor quebra as defesas da desconfiança o tempo inteiro. E nesse sentido, o tom adotado aqui se comunica com aquele usado por Raimi: uma aproximação consciente e muito bem aplicada do aspecto cartunesco. Mas não para por aí.

O que realmente importa, para além de qualquer parafernalha hi-tech, é o lastro da personalidade de Peter, com a puberdade suplicando por um amorzinho de colégio enquanto o mundo explode lá fora. É a saudade de seu mentor Stark e toda a pressão que sua ausência imprime, no meio das férias da turma na Europa.

Em se tratando de um filme do personagem mais carismático da Marvel, saber fazer essas concessões  delicadas contribui imensamente para um material com muita ação sim, muita lorota mirabolante, mas muito significado e muito coração também.

Então não é exagero dizer que assistir as aventuras de Holland-Parker e seu desenvolvimento gradual enquanto pessoa e enquanto herói é um deleite com gostinho de sessão da tarde de alto orçamento. Pode mandar mais, Jon Watts.

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A partir daqui: SPOILER. O gancho no começo do texto com as comparações cansativas ao Homem-Aranha de Raimi/Maguire se justifica pelo tom do filme e o carimbo de despacho está na cena pós-créditos com o surgimento do único J.K. Simmons possível.

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Crítica | Turma da Mônica: Laços

Com muita reverência e sensibilidade, Daniel Rezende faz o live-action da Turma da Mônica valer a espera

Mônica, Cebolinha, Magali e Cascão. Esses quatro aprontam desde os anos 60 nos quadrinhos de jornais e revistinhas, mas só agora migraram das páginas para as telas de Cinema em live-action. A espera deu lugar a um filme que poderia ser apenas uma versão de produto, mas que nas mãos do diretor Daniel Rezende se revela uma obra cheia de coração e que exala carinho e respeito pelo vasto universo concebido por Mauricio de Sousa em cada detalhe. Vai vendo.

É bem verdade que o impulso para que Turma da Mônica: Laços (2019) existisse vem da graphic novel de mesmo nome assinada pelos irmãos Lu e Vitor Cafagi e lançada pelo selo GraphicMSP em 2013. Na história, o desaparecimento do cachorro Floquinho une a turma numa missão de resgate e faz com que os quatro combinem suas habilidades e ignorem suas diferenças pelo bem maior. Foi um sucesso. Aqui, o roteiro do craque Thiago Dottori resolve os ruídos de plataforma e transporta com maestria para o filme a essência do material original.

Para os grandinhos que cresceram lendo as aventuras da turminha, boa parte da diversão está em reconhecer os personagens e catar um sem-número de referências dispostas sutilmente ao longo do filme. Nesse sentido, a caracterização primorosa é também um indicativo do zelo pela obra. E se a semelhança é indiscutível, é preciso louvar o talento do elenco infantil que, na estreia, já lida com uma responsabilidade gigante. E tome aí o resultado do trabalho bem feito: não parecem atores representando a turma do bairro do Limoeiro. Eles são a Mônica, Cebolinha, Magali e Cascão mesmo, numa migração mágica dos quadrinhos para o mundo real.

O grande lance, no entanto, é que o filme não se escora unicamente no estofo nostálgico. É uma aventura divertida com seus picos de aflição e humor que recorre a clichês do gênero, mas que, principalmente, é rica em delicadeza. As emoções estão todas lá na jornada de aprendizado e na construção dos arcos que trazem crianças vivendo o amor da amizade na fase mais ingênua e doce da vida. Um acerto gigante.

A condução de Daniel Rezende (um diretor cada vez mais interessante, vindo do trabalho excelente de Bingo: O Rei das Manhãs) ainda produz set-pieces de muita plasticidade, como os planos que miniaturizam a turma explorando os cenários da floresta ou aquele que traz a silhueta dos quatro contra o pôr-do-sol. Bonito de ver.

Do ponto de vista estrutural, Turma da Mônica (ou do Cebolinha?) pode até demorar um pouco pra decolar, especialmente no primeiro ato com a apresentação de personagens que ainda cede espaço para alguns cameos importantes, mas logo toma ritmo e, ainda bem, não sai mais dele.

No fim, “Laços” ainda recorre ao potencial de contemplação presente no texto dos Cafagi só pra confirmar a sensibilidade dessa produção que fez valer a espera. E a sequência, já anunciada, vem agora com toda uma nova carga de expectativa. “Silêncio, gênio cliando”.

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