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Crítica

Crítica | My Hero Academia: 2 Heróis

Filme está com passagem rápida pelos cinemas do Brasil e agrada o público com versão dublada.

Sempre quando tem um filme de animê na telas dos cinemas brasileiros, o público otaku se entrega ao frisson de querer assistir mesmo que essa exibição seja feita exatamente após um ano da estreia em solo japonês e muitos deles tenham visto de forma não-oficial através de fansubs.

A euforia existe quando temos a oportunidade de ver personagens que gostamos na telona e ainda poder acompanhá-los em áudio PT-BR. My Hero Academia: 2 Heróis é o primeiro longa-metragem da série originada no mangá de Kohei Horikoshi, publicada pela Shueisha na Weekly Shonnen Jump.

Girando em torno de eventos do passado de uma de suas personagens centrais, o Símbolo da Paz – All Might, a história do filme mantém a base dos elementos já comuns da franquia ao dar o protagonismo a Izuku Midoriya (Deku) e seus colegas da Academia de Heróis numa luta contra terroristas. De roteiro simples, o longa-metragem não tem muito a oferecer em contexto narrativo (mesmo Horikoshi já tendo confirmado sua canonicidade entre a 2ª e 3ª temporada do animê), mas entrega muito bem a essência de cada um dos “protótipos de heróis” (usando as palavras do próprio All Might na versão brasileira) quanto ao seu humor, poderes e sentimentos.

Simples, mas cativante. É assim que nos sentimos com o filme, que é intercalado entre cenas de ação e muito humor (Imagem: Bones/Sato Company)

Visualmente, o filme deixa desejar em muitos momentos. É como se o Estúdio Bones – responsável pela animação – não entendesse a diferença de animar para TV e animar para Cinema. Traços preguiçosos e pouco detalhamento (à exceção da batalha final) até aparentam um projeto sem vontade. Talvez, o estúdio queira se aproximar do formato da TV, mas aí poderiam ter caprichado ao menos um pouco mais e chegar ao nível de um Blu-Ray Disc.

Ir o cinema só para ver personagens com figurinos não habituais por si só não vale a experiência. É preciso qualidade técnica na animação e seus suportes como os detalhes no character design. Kenji Nagasaki, que dirige a série desde a primeira temporada e também o filme, deixou a desejar na finalização para a versão de cinema. Não que seja um trabalho ruim, longe disso, entretanto o respeito ao traço e ao estilo de animação acabam que limitam bastante a exploração das características visuais das personagens para este longa-metragem em muito momentos (principalmente em cenas de planos abertos e conjuntos).

O toque brasileiro acaba salvando a experiência fílmica. Está realmente de parabéns o trabalho de dublagem realizado pelo cast escalado pela UniDub em parceria com o distribuidor (Sato Company). As atuações de Guilherme Briggs (All Might) e Lipe Volpato (Izuku Midoriya) foram muito bem desenvolvidas. Talvez, Guilherme Briggs pudesse ter colocado uma tonalidade um pouco mais fechada ao herói e assim fugido um pouco do Superman (mas como o próprio All Might é quase que como um Superman no universo de MHA a gente deixa passar). Robson Kumode (Todoroki Shoto) e Fábio Lucindo (Katsuki Bakugou) também chamam a atenção justamente pelo fato de eles serem – ao menos para mim – as vozes perfeitas para cada um dos respectivos personagens.

Em muitos momentos o character design fica comprometido, contudo a sensação de estar “assistindo a um episódio” da série ameniza esse deslize (Imagem: Bones/Sato Company)

Entre o restante do elenco de vozes, somente Priscilla Concepción – desde sua escalação – não agrada o público em geral na sua interpretação de Ochaco Uraraka. Representante do moe dentro da trama, a garota soou bem mais forte e madura que a dublagem original. Contudo, quando se acompanha o filme por completo, acaba que isso realmente não se torna um fator negativo. O talento de Priscilla é tão bem usado nas suas interpretações, que a Uraraka dela fica bem marcada na trama (diferente, mas tão bem marcada quanto na versão em japonês). Outra que fugiu da crítica com uma boa interpretação é Jacqueline Sato, que torna a protagonista Melissa Shield numa personagem carismática e já querida pelos fãs. Aqui tem mérito da diretora de dublagem, Úrsula Bezerra, que soube bem como escalar e conduzir sua equipe.

A Sato Company conhece a paixão dos otakus brasileiros por dublagem e soube se aproveitar disso ao incluir no elenco personalidades do fandom como os youtubers Leonardo Kitsune, Vii Zedeck e Gabi Xavier, o que prontamente não só ajudou no marketing do filme quanto na aproximação do público com a trama.

De tiro curto no cinema, a exibição de My Hero Academia: 2 Heróis é uma ótima experiência para otakus e não-otakus, garantindo até mimos (cartões especiais do filme), e a repercussão no Twitter é uma boa prova disso. O longa-metragem pode não ser visualmente maravilhoso, mas ao menos aqui no Brasil ganhou boas características para torná-lo agradável ao público. Plus Ultra!

Crítica

Crítica | Olhos de Gato (Whisker Away)

Animação faz estreia mundial na Netfix devido à pandemia de COVID-19.

Uma mudança de plano promovida pela pandemia de COVID-19 levou o longa-metragem Whisker Away (que por aqui foi nomeado “Olhos de Gato“) ser lançado mundialmente por meio do serviço de streaming Netflix. O filme, que deveria estrear no começo de junho nos cinemas japoneses, era a aposta do Studio Colorido para a temporada de verão no país. Agora, acho que dá para avistar mais ao longe e dizer que esse pode ter sido o passaporte definitivo para o seu destaque no metiê otaku e do cinema de animação.

Em 104 minutos de duração temos um drama adolescente acolhedor e bem construído para a proposta de um filme de verão. O roteiro perpassa por diversos temas como problemas nos relacionamentos interpessoais, família, romance juvenil e fantasia ao tomar emprestado elementos do folclore local como os bakenekos (gatos-monstro).

Acompanhando o conflito existencial de Miyo “Muge” Sakaki somos levados a um universo onde os bakenekos existem e concedem poderes a humanos que desejam abandonar suas pobres vidas e viverem como gatos. Obviamente essa escolha tem um preço alto e é em torno disso que a trama gira. Mesmo original o roteiro não chega a ser inovador, contudo nos surpreende com alguns simples plot twists envolvendo personagens que você nem espera que tenham destaque na trama. É o caso da gata Kinako, que na segunda metade da história rouba a cena.

Colorido, tal como o nome de seu estúdio pai, “Olhos de Gato” passa uma sensação de familiaridade nos traços e designs de personagens e cenários. Isso muito graças ao trabalho de roteiro de Mari Okada (Anohana, Kiznaiver etc.) e a co-direção de Tomotaka Shibayama, que já trabalhou como animador em longa-metragens como A Viagem de Chihiro (Studio Ghibli) e A Garota que Conquistou o Tempo (Madhouse), o que nos remete a um certo hibridismo de estilos advindos de realizadores e estúdios famosos. Junichi Satou (diretor geral) também é muito competente na condução do projeto. Entre os muitos trabalhos do animador posso citar Kaleido Star, que recentemente entrou no catálogo da Amazon Prime Video.

O certo é que essa construção visual e narrativa cheia de referências ajudam o filme a ser bem recebido. O fato de ele em si não ser ruim torna a experiência bem mais interessante. Mesmo assim, a sensação que fica é que há uma certa homenagem ao filme O Reino dos Gatos (Studio Ghibli), de Hiroyuki Morita, que tem toda uma história sobre sua produção (depois falo mais disso aqui no site!). Suposição minha ou não, isso em nada diminui o longa-metragem que é bem elaborado em sua composição de quadros, ângulos e sequências, o que torna mais fácil ainda se ambientar com a trama e seus personagens que mesmo sem muito esforço cativam o espectador.

A trilha sonora é outra peça sutil no filme e revela o estilo do diretor geral ao trazer Mina Kubota como compositora. A musicista já trabalho em diversos projetos ao lado de Junichi Satou incluindo Kaleido Star e Aria. O tema do filme (Hana ni Bourei) e o tema de encerramento (Usotsuki), no entanto, são interpretados pelo duo Yorushika. Ambas as canções são agradáveis e “Hana ni Bourei” é executada em um ótimo momento do filme causando mais impacto ainda na cena exibida.

É fato que ao optar pela distribuição em streaming como alternativa à pandemia, o Studio Colorido perde a oportunidade de lograr êxito nas bilheterias nacionais. Por outro lado, aposto muito que foi a decisão mais acertada por diversas razões. Economicamente o estúdio deve ter lucrado bastante com essa negociação (o mais provável é que já existisse projetos de licenciar o filme em outro momento pela Netlfix após as exibições no cinemas japoneses).

Sendo um bom filme, o longa-metragem alcança muito mais público a partir da Netflix, o que renderá não só mais olhares de atenção aos futuros trabalhos da empresa como lhe rende também oportunidades de testar formatos de distribuição para toda a indústria que prontamente precisará se adequar no pós-pandemia (quem sabe possa até mesmo rolar pré-indicações à premiações como o Oscar na mais ousada das hipóteses). O Studio Colorido vem ganhando destaque nos últimos meses com a websérie Pokémon Twinlight Wings, no Youtube, e com o já anunciado Burn the Witch (spin-off de Bleach, mangá de Tite Kubo), que agora deve ficar mais hypado com o bom desempenho do projeto atual.

Olhos de Gato” é um filme com a cara do atual momento da cena de animação cinematográfica no Japão. Não propõe nada novo na construção do projeto, mas é bem produzido e, portanto, agradável. Dialoga com estúdios como Toho Animation e Twin Engine (co-produtores) e TROYCA e WhiteFox (produções secundárias), além de contar com o marketing da Netflix para se popularizar. Pode não ser uma animação arrebatadora, mas com certeza vale a pena ver agora no distanciamento social ou depois.

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Crítica | Violet Evergarden Gaiden: Eternidade e a Boneca de Automemória

Violet acompanha a história de duas irmãs separadas, mas que se amam.

É muito bom sentar numa quarta-feira de tarde chuvosa em frente ao computador, celular, TV etc. para assistir um bom drama. A história não precisa de um plot surreal. Nada disso! Basta apenas ter sentimento (mesmo que para alguns isso seja muito genérico). Que tal a relação de amor entre duas irmãs separadas por uma razão egoísta? Para mim essa foi a combinação perfeita para um choro contido escorrer por minha face após 90 minutos de cenários belos e trilha sonora cativante.

Essa é a minha dica de quarentena. Violet Evergarden Gaiden: Eternidade e a Boneca de Automemória, spin-off da aclamada série do estúdio Kyoto Animation que entrega um prazer de satisfação a cada frame e cena visualizada. A qualidade da animação que nos cativou tem um gosto especial. O filme de animê é a primeira produção do estúdio a estrear após o incidente que destruiu sua base de trabalho em 2019 (bom frisar que o filme já havia sido finalizado antes do incêndio criminoso que matou 39 pessoas).

Num primeiro olhar, o spin-off não entrega muito mais do que já havíamos visto nos treze episódios originais ou no OVA lançados em 2018. Temos Violet Evergarden com sua habitual personalidade aparentemente apática contando histórias de pessoas ao mesmo tempo que vive e constrói as suas próprias. Até aí tudo bem, mas tudo caminha um pouco diferente aqui. Embora seja a protagonista, Violet sede espaço para as histórias de Isabella e sua irmã Taylor. Não são os dilemas de Violet que conduzem a trama. A autômata de automemórias é a condutora das duas para o palco.

Dividido em dois momentos – com direito a um timeskip de três anos – o filme conta na primeira parte a história da introvertida Isabella; e na segunda parte a da jovem Taylor. No fim, o que vemos é que nossa protagonista amadureceu muito em sua jornada de recomeço e nos sentimos felizes em saber que ela carrega seus sentimentos mais fortes ainda, mesmo estando disposta a aprender novos caminhos.

Talvez um dos momentos mais interessantes do filme seja seu rápido encontro com Luculia (sua colega do curso de autômatas) que nos leva a um diálogo em uma cena seguinte entre Violet, Iris e Erica a respeito de sonhos e ideais que podem ser uma deixa para o que veremos no próximo filme da série (que deveria estrear em abril, mas foi adiado devido à pandemia de COVID-19).

A narrativa de recomeço de Isabella e Taylor nos deixa uma mensagem simples e ao mesmo tempo profunda sobre a força dos laços existentes entre aqueles que se amam. Basta lembrar um do outro não importando a distância, as razões ou as pessoas entre nós que podemos sentir o outro do nosso lado. Isso é amor.

Mais velha, Violet já consegue lhe dar com as várias sensações provocadas pelos sentimentos sem se abalar tanto. Prova disso é que ela conduz as duas irmãs a conseguirem entender uma o sentimento da outra e seguir em frente mesmo separadas.

Em tempos de isolamento social uma narrativa que nos fale sobre amar o próximo que está distante é o ideal para aguentar a solidão. Lembrando que você pode conferir esse filme e os demais episódios da franquia na Netflix.

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Crítica | No Game No Life: Zero

Animação já está disponível na Netflix.

Amor. Essa é a palavra que define o roteiro de No Game No Life: Zero, filme recém-chegado no catálogo da Netflix, mas que deu as caras em 2017 nos cinemas japoneses. A animação é uma prequela do animê homônimo de 2014, que por sua vez é adaptado da light novel escrita pelo nipo-brasileiro Yuu Kamiya.

Falar sobre esse filme desconsiderando a narrativa da série de TV é muito fácil e muito bom, pois o filme dirigido por Atsuko Ishuzuka e roteiro de Jukki Hanada apresenta uma consistência fluída e chega a ser muito cativante em diversos momentos pela forma como insere elementos tão reflexivos como a aceitação pessoal, o altruísmo, a mágoa e o amor.

Recontando de forma a evocar um quê de épico ao fatídico fim da Grande Guerra de 6 mil anos atrás no mundo de Disboard, o filme nos apresenta o imanity, Riku Dola, e a ex-machina, Schwi, que se reúnem primeiramente sem um propósito tão válido (se desconsiderarmos as escolhas de Schwi enquanto uma máquina) até chegar num clímax intenso.

O filme tem muitas referências que servem de gancho para os apreciadores da franquia entender os eventos do presente. Um desses links nos fazem até mesmo odiar uma personagem querida quando somos confrontados com seus atos naquela época.

Mas falemos de amor. Mesmo que a história nitidamente careça de elementos mais significativos para seu desenvolvimento, a relação estabelecida entre o casal de protagonistas é profunda e nos permite refletir sobre o poder do perdão e a força do amor. Não importa quem você é, o que importa é que quero estar ao seu lado. Nas entrelinhas ou diretamente essa é a mensagem que é joga na tela. Animações que seguem essa premissa sempre são bem recebidas, pois trabalham o visual com uma proposta mais reservada ao sentimento do espectador.

No Game No Life: Zero é a adaptação direta do volume 06 da light novel de Yuu Kamiya e segue uma construção narrativa bem diferente do restante da obra ao trazer um contexto mais soturno ao universo narrativo. Vale a pena dedicar um tempo para apreciar o filme, mesmo se nunca leu ou assistiu nada de NGNL. Com dublagem em português na Netflix, a animação é aposta do serviço de streaming neste fim de ano.

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