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Crítica de Filme

Crítica | It – Capítulo 2

Ou Pennywise 2: Duro de Matar

Qual a necessidade de 2h50min de filme? É a pergunta pertinentérrima que muitos estão se fazendo em relação a esse It – Capítulo 2 (It – Chapter 2, 2019). E nesse caso é preciso considerar duas coisinhas: uma é que o primeiro filme, de 2017, deixa várias lacunas a serem preenchidas aqui; outra é que o calhamaço de Stephen King no qual o roteiro se baseia ostenta nada menos que 1104 páginas. (Pense num rolê pra matar este palhaço). Resta saber o seguinte: os 170 minutos são devidamente bem aproveitados nessa continuação? Vem comigo.

Bom, as questões deixadas pelo primeiro filme dizem respeito principalmente à lógica interna da história: origens do palhaço Pennywise; o que explica suas habilidades macabras; o lance do retorno em 27 anos etc. E nesse quesito as respostas estão todas presentes – e até um pouco além da conta, vá lá. Além disso, o roteiro precisa reintroduzir o “Clube dos Perdedores” reapresentando cada um dos membros e pincelando um panorama de suas vidas adultas.

Sendo assim, o roteiro de Gary Dauberman (craque no Cinema de gênero) vai atrás do ritmo e a direção de Andy Muschietti, outra vez muito imaginativa, investe em transições de cena superinteressantes, como aquela que transforma um céu estrelado em pecinhas de um quebra-cabeças ou em sequências que mesclam elenco adulto e infantil a serviço da narrativa. Aliás, num filme como esse, que transita entre medos internos dos personagens, a imaginação é mandatória do começo ao fim.

E nesse sentido o trabalho da Direção de Arte assinado por Nigel Churcher é fantástico. Churcher traz o ímpeto criativo que já provou ter em A Forma da Água, Scott Pilgrim e tantos outros. Aqui se brinca com todo tipo de distorção de cores, formatos e proporções pra intensificar o aspecto hediondo das criaturas que surgem ao longo do filme. A sequência que envolve a estátua da cidade de Derry é particularmente inspirada, já que se dá em um ambiente aberto e durante o dia. Assim como o parque de diversões num dia nublado e a escola de longos corredores vazios também apontam para um trabalho caprichado de cenografia.

E aí chegamos a outro ponto central: o elenco. Com certeza Eddie por ser mais caricato com sua hipocondria e o jeito apressado de falar, acaba sendo um personagem mais “fácil”, mas todos os atores conseguiram um tom de aproximação com o elenco infantil (também ótimo) que vai além da semelhança física. E palmas especiais para Bill Skarsgard que faz um Pennywise tão expressivo mesmo embaixo de toneladas de maquiagem. Repare em como ele brinca com alterações na voz, por exemplo. E observe que mesmo sendo um elenco grande, cada um deles tem subtextos pertinentes, devidamente bem explorados e até bem emocionais também.

Então, respondendo a pergunta do primeiro parágrafo: sim. O filme utiliza satisfatoriamente sua longa duração – talvez uma cena ou outra pudesse ser reduzida, como aquela do jantar no começo do filme, mas não há cenas excessivamente extensas que prejudiquem o ritmo de uma forma geral. Um ponto negativo, no entanto, é uma abordagem de violência gráfica severamente acessória, especialmente no primeiro ato. Qual a real necessidade? Nenhuma.

De todo modo, mesmo com tantos acertos, ele repete o mesmo “problema” do primeiro. Pennywise assusta muito mais com seus truques de palhaço, sua natureza circense subvertida para o macabro, suas investidas para enlouquecer e matar… mas na surdina, de tocaia. O desfecho tanto lá quanto cá, inevitavelmente expõe demais sua figura, minimizando bastante o tom de ameaça que ele representa e consequentemente, a sensação de medo na plateia. O clímax não deixa de ser interessante, mas durante o trajeto o filme consegue efeitos bem mais imersivos que em seu momento final – o que não deixa de ser irônico já que se discutem os “finais ruins” dos livros de Bill (McAvoy) o tempo inteiro.

Seja como for, It – Capítulo 2 passa a régua e fecha a conta como um belo exemplo de estética para o terror no Cinema, onde a criatividade, sobretudo visual, é o imperativo. Que o diga o icônico balão vermelho flutuando e flutuando…

Observação: Os cameos do glorioso Peter Bogdanovich e the one and only Stephen King são a cereja do bolo 😉

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Crítica de Filme

Crítica | Parasite (2019)

Filme nos provoca sobre nosso próprio parasitismo social.

Planejar é um ato falho. Bong Joon-ho propõe uma reflexão – em cima de uma crítica – ao nos contar a história da família Ki-taek. Talvez eles possam ser encarados como a escória da sociedade, talvez ele sejam mesmo (ou talvez não). Isso porque se compararmos sua afetividade em relação aos Park, a outra família retratada em Parasite (2019), é nítido que o laço construído entre os Ki-taek é correspondente entre todos os membros.

Retratando duas facetas da sociedade sul-coreana, naquilo que seu repertório lhe proporciona, o diretor entrega um diálogo audiovisual muito intenso. A todo momento os Ki-taek estão aplicando ou revisando conceitos pragmáticos filosóficos e sociológicos em seus atos sórdidos de charlatanismo que não nos horrorizam (embora devessem), mas sim arrancam gargalhadas nas primeiras horas do longa-metragem. A parte mais engraçada nisso tudo é que você não consegue terminar o filme rindo (com exceção de um único personagem que na contramão do nosso estado havia iniciado o filme sem esboçar sorrisos).

Para a Biologia o parasitismo é a “interação entre duas espécies, na qual uma delas, o parasita, se beneficia da outra, o hospedeiro, causando-lhe danos de maior ou menor importância, mas raramente a morte“. Bong Joon-ho entrega a nós uma história que não escapa em nenhum momento dessa definição, a não ser pelo fato do parasita (ou dos parasitas) serem racionais o suficiente para conceber a própria imoralidade, julgá-la e aceitá-la. E aqui fica um questionamento sobre quem de fato é o parasita: o pobre que vive sobre a sobra dos sobejos dos ricos, ou os ricos que nem se dão conta do qual organizados são os pobres dentro de seu próprio território.

Com planos lentos e câmeras com movimentação contemplativas, a fotografia do filme está sempre ressaltando as diferenças entre as duas famílias (os Ki-taek e os Park), por meio de ângulos e linhas “invisíveis” na tela reforçando os esteriótipos delineados no filme. Obviamente que a proposta aqui não é a a aceitação desses esteriótipos, mas sim torná-los nítidos para o espectador. Cabe então a este fazer a observação do quão as diferenças preexistentes escondem semelhanças nos dois grupos, que se julgam distantes por maniqueísmos construído pelo status e o dinheiro. Enquanto um julga por considerar inferior e sujo, o outro julga por considerar superior e limpo demais. Não apenas na aparência, mas no comportamento. Julgar é o ato falho de maior semelhança entre humanos.

Parasite (2019), embora não seja sobrenatural, dialoga com o elemento da causa e efeito e nos entrega uma montagem que dinamiza a ação quando é necessário que vivenciemos ela. É na cena da inundação na casa dos Ki-taek, no porão de um prédio no subúrbio, que essa montagem fica mais acentuada a partir do link desagradável entre os vasos sanitários dos dois porões (o dos Park e dos Ki-taek). Uma montagem que remete ao mórbido quando tomamos o clímax do filme.

É nessa balança entre cômico e suspense, lentidão e ação, limpo e sujo, que Parasite (2019) se constitui num conjunto reflexivo sobre nós mesmos, que parasitamos os outros e nós mesmo a partir de um canal universal: os planos. O tragicômico dá lugar a um realismo introspectivo, pois não há momento algum após a experiência de ver o filme que você não se pergunte o quanto já se tornou o parasita de alguém.

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Crítica de Filme

Crítica | Frozen II

Sequência do sucesso da Disney é boa, mas não tanto.

“Você quer brincar na neve?”. Talvez esse não fosse o tipo de situação que se esperava da sequência de Frozen (2013). Pelo menos os trailers já nos levavam a crer nisso. Contudo, mesmo com a expansão da trama e as muitas referências, Frozen II (2019) nem de longe é tão bom quanto o primeiro (e veja bem, esse que vos escreve não gostou do primeiro filme).

Há aqui um certo conflito na hora de escrever essa crítica, pois não dá para dizer que o longa-metragem animado é um fiasco. Muito pelo contrário! O filme é lindo, fluido e em certa medida emocionante. O problema é que ao esperarmos pelo fascínio que fez de Frozen um fenômeno mundial não percebemos a mesma sensação ou mesmo algo de novo.

A fórmula Disney está ali e a originalidade do roteiro (em cima do clássico A Rainha da Neve de Hans Christian Andersen) evoca muito bem as protagonistas Elsa e Anna em suas próprias jornadas. Seus tempos de tela são muito bem equilibrados e suas façanhas e dilemas balanceados com êxito. Tanto que a pouca presença de Kristoff e Sven não diminui em nada os seus papéis na trama. Olaf, como sempre é um ótimo escape cômico (e Fábio Porchat nos deleita com sua atuação icônica na versão dublada). Contudo…

Naquilo que se tornou o ponto alto da franquia Frozen, as canções, o sentimento deixa muito a desejar e nenhuma chega a impactar como Let it Go (Elsa) ou Do Want to Build a Snowman? (Olaf) fizeram se tornando hits. Está certo que ainda é cedo para afirmar isso, mas se considerarmos que o filme chegou ao Brasil mais de um mês depois da estreia nos Estados Unidos é possível medir a pouca atenção dada pelo público às faixas do novo filme e tentar cravar essa ideia de que a trilha sonora não cativou. Mas não é uma perda total!

Pela minha experiência posso afirmar que a canção mais legal do novo filme (Lost in the Woods) é justamente daquele com menos tempo de tela (Kristoff) que possui um forte elemento romântico a la Peter Cetera ou Bryan Adams (ao menos é a impressão que fiquei). É um dos momentos mais legais das cenas musicais da animação.

Assim, Frozen II entrega uma história bem profunda e que fortalece as suas protagonistas, mas não consegue manter a essência do primeiro filme quanto ao envolvimento do público com as canções e a própria trama em si (mesmo sendo reveladora de segredos). Antes do clímax a história acelera demais e não se sustenta muito. Também não deixa a certeza de que teremos um terceiro filme, que caso venha pode ser mais um erro que um acerto para a franquia.

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Crítica

Crítica | No Game No Life: Zero

Animação já está disponível na Netflix.

Amor. Essa é a palavra que define o roteiro de No Game No Life: Zero, filme recém-chegado no catálogo da Netflix, mas que deu as caras em 2017 nos cinemas japoneses. A animação é uma prequela do animê homônimo de 2014, que por sua vez é adaptado da light novel escrita pelo nipo-brasileiro Yuu Kamiya.

Falar sobre esse filme desconsiderando a narrativa da série de TV é muito fácil e muito bom, pois o filme dirigido por Atsuko Ishuzuka e roteiro de Jukki Hanada apresenta uma consistência fluída e chega a ser muito cativante em diversos momentos pela forma como insere elementos tão reflexivos como a aceitação pessoal, o altruísmo, a mágoa e o amor.

Recontando de forma a evocar um quê de épico ao fatídico fim da Grande Guerra de 6 mil anos atrás no mundo de Disboard, o filme nos apresenta o imanity, Riku Dola, e a ex-machina, Schwi, que se reúnem primeiramente sem um propósito tão válido (se desconsiderarmos as escolhas de Schwi enquanto uma máquina) até chegar num clímax intenso.

O filme tem muitas referências que servem de gancho para os apreciadores da franquia entender os eventos do presente. Um desses links nos fazem até mesmo odiar uma personagem querida quando somos confrontados com seus atos naquela época.

Mas falemos de amor. Mesmo que a história nitidamente careça de elementos mais significativos para seu desenvolvimento, a relação estabelecida entre o casal de protagonistas é profunda e nos permite refletir sobre o poder do perdão e a força do amor. Não importa quem você é, o que importa é que quero estar ao seu lado. Nas entrelinhas ou diretamente essa é a mensagem que é joga na tela. Animações que seguem essa premissa sempre são bem recebidas, pois trabalham o visual com uma proposta mais reservada ao sentimento do espectador.

No Game No Life: Zero é a adaptação direta do volume 06 da light novel de Yuu Kamiya e segue uma construção narrativa bem diferente do restante da obra ao trazer um contexto mais soturno ao universo narrativo. Vale a pena dedicar um tempo para apreciar o filme, mesmo se nunca leu ou assistiu nada de NGNL. Com dublagem em português na Netflix, a animação é aposta do serviço de streaming neste fim de ano.

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