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Crítica de Filme

Crítica | Homem-Aranha no Aranhaverso

Uma surra de criatividade narrativa que eleva o nível dos filmes de heróis e da animação no Cinema

Depois da trilogia do Sam Raimi, a Sony andou as voltas com o uso do Homem-Aranha no Cinema, que patinou pelo inacreditável Homem-Aranha 3 (2007), pela fase capenga do Andrew Garfield e agora com o questionável Venom (2018). Pelas mãos da Marvel, o cabeça-de-teia vive uma boa fase com o carisma brejeiro de Tom Holland. Mas de volta à Sony, Peter Parker parecia longe de casa (risos) com tantas histórias de origem até aqui. Vai vendo.

Por isso mesmo é surpreendente que Homem-Aranha no Aranhaverso (Spider-man: Into the Spiderverse, 2018) tenha encontrado um caminho pra inovar e expandir as possibilidades não apenas no que diz respeito ao herói, mas também junto à linguagem das animações no Cinema. O resultado é o melhor possível. Um filme enérgico do começo ao fim, altamente explosivo em cores e texturas e que consegue promover um verdadeiro malabarismo de referências que atravessam toda a trajetória do aracnídeo pelas mídias dos quadrinhos, games, TV e Cinema.

Pra quem é fã do personagem criado por Stan Lee e Steve Ditko, Aranhaverso é um banquete quase sem precedentes. Algumas referências são bem mais explícitas (notadamente aquelas que remontam aos filmes de Sam Raimi e a fase 2.0 da Marvel com os Vingadores e ao jogo pra PS4) outras menos, como as que mencionam passagens em capas clássicas de HQs.

Sendo assim, o que o roteiro de Phil Lord e Rodney Rotman consegue fazer é uma bricolagem sinistra que não apenas homenageia o herói, seus fãs e seus criadores, como também, por intermédio dessa metalinguagem frenética, multiplica as possibilidades narrativas dentro da animação. O filme passeia o tempo inteiro por efeitos de 2D e 3D, uso de retículas, intervenções de cartelas – como aquelas que a gente viu em Scott Pilgrim (2010), só que aqui elas são todas voltadas à linguagem dos quadrinhos, como balões, onomatopeias e intertextos.

E o curioso é que essa abordagem faz todo o sentido dentro da proposta narrativa que traz o adolescente Miles Morales passando pelo transtorno da picada de aranha radioativa e tendo que lidar com cinco outras versões do Homem-Aranha que pertencem a dimensões diferentes. Bom, premissa confusa e muitos personagens geralmente parece a receita para o fracasso, mas aqui há uma conjunção tão bem arranjada entre narrativa e estética que do caos surge a harmonia. Não apenas o argumento de multiverso é bem arranjado, como cada personagem tem o equilíbrio de tempo suficiente de exposição na história.

O filme, dirigido por Bob Persichetti, Peter Ramsey e Rodney Rothman também não economiza no uso de cores (outra conexão entre estética e narrativa, já que além da salada metalinguística, o protagonista é amante da arte do grafite). O resultado é uma animação visualmente impactante e ultra-colorida em boa parte das sequências. E repare também a atenção aos detalhes que ao mesmo tempo em que coreografa lindamente as manobras voadoras dos heróis, não deixa de tomar cuidado com minúcias, como as marcas de flocos de neve molhando o cimento ou quando certo personagem tira um saco de pipoca do microondas, se queimando rapidamente com o vapor.

Atento não apenas ao humor-moleque característico do universo do Homem-Aranha (ou “universos”, melhor dizendo), o filme se preocupa ainda na construção de uma malha emocional que conecta os personagens entre si e com o público. Note que a relação pai, filho e tio emociona na medida certa pra não destoar do frenesi que domina a projeção. Sem falar, claro, no cameo de Stan Lee, que dessa vez ganha um contorno diferente.

Aranhaverso é um dos melhores materiais sobre Homem-Aranha feitos até agora e uma das melhores animações dos últimos anos, sem medo de exagero. E que alívio é perceber que, mesmo com a superpopulação de heróis nas telonas, ainda há espaço para inovar, surpreender e expandir possibilidades. “Vai, teia!”

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Crítica

Crítica | No Game No Life: Zero

Animação já está disponível na Netflix.

Amor. Essa é a palavra que define o roteiro de No Game No Life: Zero, filme recém-chegado no catálogo da Netflix, mas que deu as caras em 2017 nos cinemas japoneses. A animação é uma prequela do animê homônimo de 2014, que por sua vez é adaptado da light novel escrita pelo nipo-brasileiro Yuu Kamiya.

Falar sobre esse filme desconsiderando a narrativa da série de TV é muito fácil e muito bom, pois o filme dirigido por Atsuko Ishuzuka e roteiro de Jukki Hanada apresenta uma consistência fluída e chega a ser muito cativante em diversos momentos pela forma como insere elementos tão reflexivos como a aceitação pessoal, o altruísmo, a mágoa e o amor.

Recontando de forma a evocar um quê de épico ao fatídico fim da Grande Guerra de 6 mil anos atrás no mundo de Disboard, o filme nos apresenta o imanity, Riku Dola, e a ex-machina, Schwi, que se reúnem primeiramente sem um propósito tão válido (se desconsiderarmos as escolhas de Schwi enquanto uma máquina) até chegar num clímax intenso.

O filme tem muitas referências que servem de gancho para os apreciadores da franquia entender os eventos do presente. Um desses links nos fazem até mesmo odiar uma personagem querida quando somos confrontados com seus atos naquela época.

Mas falemos de amor. Mesmo que a história nitidamente careça de elementos mais significativos para seu desenvolvimento, a relação estabelecida entre o casal de protagonistas é profunda e nos permite refletir sobre o poder do perdão e a força do amor. Não importa quem você é, o que importa é que quero estar ao seu lado. Nas entrelinhas ou diretamente essa é a mensagem que é joga na tela. Animações que seguem essa premissa sempre são bem recebidas, pois trabalham o visual com uma proposta mais reservada ao sentimento do espectador.

No Game No Life: Zero é a adaptação direta do volume 06 da light novel de Yuu Kamiya e segue uma construção narrativa bem diferente do restante da obra ao trazer um contexto mais soturno ao universo narrativo. Vale a pena dedicar um tempo para apreciar o filme, mesmo se nunca leu ou assistiu nada de NGNL. Com dublagem em português na Netflix, a animação é aposta do serviço de streaming neste fim de ano.

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Crítica de Filme

Crítica | A Vida Invisível

O melodrama tropical de Karim Aïnouz: um estudo anti-machismo cheio de dor e beleza

A Vida Invisível parece uma janela no tempo. Não só pelas propriedades estéticas que reconstroem o Rio de Janeiro dos anos 50, mas principalmente por materializar histórias que a gente conheceu só de ouvir sobre tantas e tantas mulheres que tiveram suas trajetórias alteradas e suas aspirações pessoais anuladas em virtude de uma condenação encomendada desde o nascimento: a de que seu papel seminal é servir a casa e ao marido. O melodrama escorre por todos os cantos nesse novo filme do cearense Karim Aïnouz, que pleiteia com muita dignidade uma vaga nos indicados a Melhor Filme Estrangeiro no Oscar de 2020. Vai vendo.

O amor entre as irmãs Eurídice e Guida é o motor da narrativa baseada no livro de Martha Batalha: elas são confidentes, se divertem com suas descobertas, são cúmplices nas contravenções que desafiam o pai ultraconservador e a mãe, tão submissa ao marido que sua voz pouco se ouve. O tempo corre como água no roteiro de Murilo Hauser e acompanha um período de mais ou menos uma década na vida dessa família cujos laços se afrouxam lentamente.

A Guida de Julia Stockler é intrépida, foge de casa pra encontrar o namoradinho marinheiro sob os protestos da irmã Eurídice (Carol Duarte), mais temente e cujo talento para música a faz sonhar em ser uma pianista profissional. No entanto a trajetória das mulheres em A Vida Invisível é toda balizada pelas intervenções dos personagens masculinos e certamente quem assiste ao filme reconhece naquelas mulheres outras Eurídices e Guidas da vida real.

Assim, o filme em certa medida acessa a memória de tias, mães e avós pertencentes a essa mesma geração das personagens e que cresceram sob a doutrina da submissão ao homem provedor que cerceava suas liberdades mais básicas em nome de uma suposta “proteção” (outro efeito do machismo estrutural). Dessa forma o pai justifica seus excessos com “Fiz para proteger a família” e o marido de Eurídice (Duvivier) poda “gentilmente” os desejos da esposa em se especializar em música “Você já sabe tocar… pra quê estudar mais?”.

E mesmo diante da feiura do sexo meramente fisiológico e mecânico ou da aterrorizante impossibilidade de decidir sobre a própria gravidez, o filme de Ainouz traz uma beleza hipnótica nas paisagens, quase como se quisesse apontar as cores lá fora, apesar da opressão entre-paredes.  A fotografia impressionante de Hélène Louvart investe em planos evocativos diante do mar e nos cenários cinquentistas do Rio que a direção de arte de Rodrigo Martirena veste com cores e formas. A entrada da casa da família, escura e cheia de galhos secos, na casa de Filomena (Bárbara Santos) os brinquedos mortos no pátio.

E também é belo perceber que, embora as novas gerações ainda sintam a ressaca desse modo de pensar, um filme como A Vida Invisível funciona também como um lembrete desses prejuízos de vida – e como é bom ter hoje infinitos exemplos de mulheres que jamais se deixariam interromper por alguém. O filme tecnicamente irrepreensível, cheio de nuances e significados ainda conta com a honraria de ter Fernanda Montenegro ajustando uma cerejinha no bolo, guardando o melhor para o final e deixando claro que, apesar de tudo, 2019 foi um belo ano para o Cinema Brasileiro.

Filme visto na abertura do Festival Maranhão na Tela, 2019.

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Coberturas

#VoltsNaMSDC – Confira aqui as críticas do Panorama Brasil – Filmes da Região Sudeste

Os filmes selecionados vêm dos estados de São Paulo, Rio de Janeiro, Espírito Santo e Minas Gerais

Ao todo, a Mostra Sesc de Cinema 2019 conta com 42 filmes e aqui no Volts você confere nossos comentários sobre todos eles. Nesse post, as produções da Região Sudeste são as estrelas. Vai vendo.

Fabiana (São Paulo, São Paulo) 89min, longa-metragem, documentário, 2018

‘Fabiana’ é o longa dirigido e escrito pela goiana Brunna Laboissière cuja proposta interessa de cara: pegar carona no caminhão da mulher trans e também lésbica que dá título ao filme. Uma figura poderosa, despachada e cheia de bagagem que segue baforando seu cigarrinho pela janela enquanto compartilha vivências.

O universo da estrada é por si só uma fonte infinita de histórias, mas Fabiana é um ponto de resistência numa profissão dominada por homens – não meramente por ser mulher e caminhoneira, mas também por sua orientação sexual. Porém, infelizmente o potencial fica perdido na estrada. A condução do filme é surpreendentemente passiva, desperdiçando a oportunidade de explorar a evidente riqueza do material.

E dá pra entender a intenção de Laboissière de não interferir, por exemplo, numa passagem em que Fabiana atende uma ligação e aparentemente recebe uma notícia ruim, desliga a chamada e fica em silêncio por longos minutos, balbucia algo e segue em silêncio até que a diretora pergunta “O que houve?” e aí ela finalmente conta. Outras sequências se limitam a contemplação pura e simples. Ou seja, a fartura do material exige mais intervenções e ao público resta sair da sessão como quem esperava uma viagem memorável e pegou apenas uma caroninha curta.

Plano Controle (Belo Horizonte, Minas Gerais)16min, curta-metragem, ficção, 2018

Se a turma do Twitter produzisse um filme, seria esse Plano Controle. Um flerte divertido com a ficção científica ensaia um Brasil onde o teletransporte é uma realidade e pode ser acionado como quem ativa um pacote de dados de internet móvel.

Escrito e dirigido por Juliana Antunes, o curta brinca com viagens no tempo pra fugir da realidade dura de 2016 com o golpe que tirou Dilma da presidência. Pra ilustrar os deslocamentos no espaço-tempo, o filme investe numa bricolagem de cenas icônicas da cultura pop nacional que vão de Van Damme dançando com a Gretchen no palco do Gugu a clássicos musicais dos anos 90. Sendo assim, onde “Plano Controle” falta em fazer sentido, sobra no senso de humor. 16 minutos bem aproveitados.

Navios de Terra (Belo Horizonte, Minas Gerais) 70min, longa-metragem, ficção, 2018

Esse longa de ficção dirigido por Simone Cortezão é um investimento pesado na estética do marasmo. Conceitual e visualmente promissor, o filme pensa a exploração de minério como o “deslocamento de montanhas” do Brasil a China e vice-versa. Seu protagonista (Rômulo Braga) sai de Minas e vai de navio ao outro continente em busca desses encontros muito subjetivos que ninguém sabe direito explicar. Nesse meio tempo o que se vê é um filme lentíssimo e frequentemente até arrastado onde quase nada acontece.

Jéssika (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro) 19min, curta-metragem, ficção, 2018

Jéssika, filme de Galba Gogóia, propõe uma discussão pertinente sobre a importância do acolhimento familiar em diversos níveis ao trazer a travesti do título de volta a casa onde cresceu como menino, pra reencontrar a mãe.

Pouco criativo na direção, o filme gira em torno de um diálogo na mesa do café (em plano e contraplano) onde muitos “não-ditos” e mágoas ficam evidentes assim como o amor entre as duas personagens, que é o que acaba gritando mais alto no fim das contas, mas tanto na vida quanto no filme, não é só o que importa. Infelizmente para Jéssika, como para tantas outras, apenas ser chamada pelo nome, já é uma imensa prova de aceitação pra quem cresceu acostumada a viver na defensiva.

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